Comparacion entre museos tradicionales y museos virtuales

Puedo encontrar grandes ventajas en los museos virtuales frente a los museos tradicionales, una primera de tipo práctico es la facilidad de acceso que encontramos en este tipo de museos. Tambien permiten diferentes interpretaciones de las colecciones desde distintos puntos de vista. Existen guías virtuales que nos explican obra por obra y permiten una interactividad mayor. Además, los museos virtuales logran organizar de una forma mucho mas global y unificada las colecciones.
El acceso a un museo virtual es mucho más comodo y atractivo para el usuario, que en ocasiones sienten un rechazo ante los enormes inconvenientes que presenta la visita física a ciertos museos.
Sin embargo, los museos virtuales reciben justamente esa definición ya que suelen copiar los contenidos de algún otro museo real, siguen la obra de algún artista o tratan un tema especial. Aunque los museos virtuales no reemplazarán nunca las visitas físicas a los museos tradicionales para ver los originales de obras históricas para la humanidad, cuando las distancias o las posibilidades económicas no permiten ir, siempre pueden ser una opción muy válida para un primer acercamiento, de una forma más próxima (virtual) a lo que sería la verdadera visita.

Neo expresionismo

Este movimiento se desarrolla a fines de los 70, principios de los 80.

Tiene cualidades tactiles y violencia de las pinceladas. La opacidad que transmite la paleta de colores utilizada casi monocroma mezclada con materiales poco ortodoxos y endebles como el plomo, el alambre, paja, yeso. Utiliza tecnicas como el collage y el asamblaje.

Hiperrealismo

Este movimiento surge en Estados Unidos a fines de los años 60 del s. XX.
Es una tendencia radical de la pintura realista que propone reproducir la realidad con mas fidelidad y objetividad que la fotografia. Aveces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical. El hiperrealismo tiene un origen en la tradicion pictorica estadounidense. El arte pop es el precursor inmediato del hiperrealismo. Toma la iconografia de lo cotidiano. Se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imagenes neutras y estaticas.

Op art

Este movimiento llamado Op art fue nacido en Estados Unidos en el año 1958.

Es una evolucion matematica del arte abstracto. Se usa la repeticion de las formas simples y los colores crean efectos vibrantes. Se produce un gran efecto de profundidad y una confusion entre el fondo y el primer plano. Implica un habil uso de las luces y las sombras. El resultado es el de un espacio tridimensional que se mueve aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo. Este movimiento una ilusion optica. Se caracteriza por aspectos como ausencia total del movimiento real. Todas sus obras son fisicamente estaticas.

Uno de los autores mas reconocidos es Victor Vasarely:

Es un pintor hungaro afincado en Paris asociado al arte cinetico. Se lo considera como el padre del Op art. Comenzo a estudiar medicina pero dejo la carrera al cabo de dos años, se intereso entonces por el arte abstracto. Se translado a Paris a principio de 1930 y alli trabajo como grafista. En esta ciudad desarrollo su primer obra zebra que se considera hoy en dia la primera obra del Op art. Tenia consideracion por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes tramas)

Bibliografia: parte en wikipedia y parte del trabajo realizado en clases.

Pop art

Se desarrollo en Estados Unidos en 1958 y en Europa a mediados de los años 60.

Dentro de sus caracteristicas es figurativo y realista, crea efectos visuales (vibracion, parpadeo). Diseña formas geometrico-cromaticas simples lineales o de masa en combinaciones complejas. Son composiciones meticulosamente realizadas y estructuradas. En muchos casos el observador necesita moverse delante de la obra para apreciar toda la gama de efectos opticos. Son trazos definidos delineados con precision, colores planos de contornos netos. Se utiliza frecuentemente la pintura acrilica para conseguir colores impecables entre lisos y uniformes. El estilo es muy critico con la sociedad de consumo y sus valores que rodean al nombre tienen como base a ciudades de New York y Londres. Los motivos no son tradicionales , lo que capta mas la atencion del publico.

Uno de sus autores destacados es Andy Warhol

Fue una artista plastica y cineasta estadounidense que desempeño un papel crucial y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional adquirio notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura.

Cubismo

El cubismo es el movimiento más significativo y transcendente de la historia de la pintura occidental desde el Renacimiento, por lo que tiene de ruptura con la estética clásica, el concepto de belleza y las nuevas formas de observar la naturaleza. Su visión del arte es tan radicalmente diferente que conmocionó todo el mundo del arte. A partir del cubismo, el concepto de arte y de belleza cambia radicalmente, nada se podrá hacer igual, y las obras anteriores se mirarán de otra forma. Fue desarrollado entre los años 1907 y 1914

Picasso está en el origen de la creación del cubismo y es su representante pictórico más destacado. Pero también es su inventor teórico, junto con Georges Braque y Juan Gris. Sus planteamientos son totalmente inéditos en el arte. Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación entre el espectador y la obra de arte. El espectador no se puede quedar contemplando sin más la obra, sino que debe reconstruirla en su mente para poder comprenderla. La pintura es algo mental, el espectador interpreta la realidad según las pautas que da la obra y se convierte en artista, en creador. La nueva estética se desliga completamente de la interpretación o la semejanza con la naturaleza, lo que significa que la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. Esta desvinculación de la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, y pintadas de forma geométrica. Esta descomposición no es casual, sino que está muy estudiada y calculada, para permitir la recomposición mental de la figura.

El cubismo es un arte creado, es un nuevo lenguaje y una nueva estética, un replanteamiento integral de la pintura y las artes plásticas. Hasta el momento, ni los más radicales fovistas se habían atrevido a romper con el lenguaje convencional y sensitivo que representaba, en mayor o menor grado, la naturaleza, desde los tiempos griegos. Pero el cubismo rompe con todo eso; es un arte mental no sólo en las formas sino en la concepción de la obra. Para comprender un cuadro hay que pensarlo. Hará un replanteamiento de la obra de arte, de lo que son las formas, de la luz, la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Todo ello exige del espectador un esfuerzo mental para reconstruir la figura, que no se observa a simple vista. En el cubismo no es el color, sino la línea la que crea la figura y compone el cuadro. Sus obras no son producto de la casualidad sino de un proceso de creación meditado y consciente.

El cubismo se pregunta, también, por los problemas del volumen y del espacio. Su ruptura con la tradición renacentista e impresionista es total, y busca un nuevo espacio pictórico para sus formas. Una de las características del cubismo es su representación en blanco y negro, consecuencia de su desvinculación con la naturaleza e influido por la fotografía, para facilitar la lectura del cuadro. El cubismo se preocupa por la representación del movimiento y por lo tanto del tiempo: de la cuarta dimensión. El tiempo cobra un nuevo significado tras la teoría de la relatividad de Einstein. El cuadro cubista pretende representar, al mismo tiempo, todas las formas posibles de ver una figura, esto implica que el espectador está obligado a mover los ojos para recomponer la figura. El color ceniza, el blanco y el negro, ayudan a la reconstrucción del cuadro. La cuarta dimensión está en la mente humana, vemos el mundo con movimiento, con el paso del tiempo, y eso es lo que pretende captar el cuadro cubista.

En el cubismo se distinguen, tradicionalmente, tres etapas o estilos: cezaniano, analítico y sintético.

El cubismo cezaniano se caracteriza por sus formas identificables, que son reducidas a formas geométricas puras. Se trata más de un protocubismo que una nueva estética.

El cubismo analítico se caracteriza por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas. Su objeto es conocerlas, examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión. Es la auténtica la estética cubista, la creadora del nuevo lenguaje.

El cubismo sintético se caracteriza por potenciar las partes más significativas de la figura, reduciéndola a sus formas geométricas más puras. No es un cubismo simplificador, pero sí de más fácil lectura. Está altamente estructurado y se potencian las partes más significativas, o que se quiere resaltar.

Los cubistas:

• Pablo Ruiz Picasso
• Georges Braque
• Juan Gris

El cubismo escultórico tiene la misma estética que el pictórico, y los mismos objetivos, pero trabaja en tres dimensiones. Sus esculturas se caracterizan por la intersección de planos y volúmenes, y la descomposición de las formas. El cubismo descubre el hueco como elemento escultórico, tanto la masa como el hueco sirven para la expresión plástica. Debido a la ausencia de color en la pintura la escultura se revela como una manifestación artística especialmente valiosa.

Fauvismo

El fauvismo es un movimiento contemporáneo al impresionismo (de 1910 a 1920). El color es el objetivo principal del cuadro, utilizan también la pasta desde el tubo sin necesidad de paleta, se inclinan por los colores vivos en formas de manchas planas. El color se independiza del objeto.

Los fauvistas eran un pequeño grupo de pintores que trabajaba en París a comienzos de siglo. Se les dio este nombre, que significa "animales salvajes", cuando expusieron en el Salón de 1905. El líder del grupo era Henri Matisse, y los demás miembros, entre ellos Derain, Vlaminck, Dufy y Braque, procedían de varios grupos distintos.

Tenían en común el interés por un color brillante y puro. Matisse, convaleciente de una enfermedad, comenzó copiando grabados en color. A partir de entonces se dedicó exclusivamente a estudiar la pintura. Su primera obra, de buena factura, estaba influida por Cézanne, a quien admiraba mucho.

Hacia 1908 el fauvismo había alcanzado su punto más alto.

Jóvenes artistas, a quienes quedaba toda una vida de trabajo por delante, habían llevado este movimiento a su límite. Sin duda, Matisse estqbq consciente de la obra de los cubistas, y su propia colección de arte primitivo había sido uno de los factores que estimularon el interés de aquéllos por aquel arte; pero la exploración analítica de dichos artistas no se ajustaba a su temperamento, por lo que él continuó su propia trayectoria. Le impresionó enormemente la exposición islámica de Munich de 1910, y a continuación emprendió un viaje a Tánger. La combinación de orden y color del arte oriental ejercieron una gran atracción sobre él; y de nuevo se sintió entusiasmado por la luz intensa y clara del norte de África, como le había sucedido anteriormente en el sur de Francia.

El Fauvismo no fue un movimiento conscientemente definido, careció de un manifiesto. Fue un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color.

Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo.

Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían a un ejercicio de sintetización, buscan la máxima intensidad emocional combinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos.

Otra característica es el gusto por la estética de las estatuas y máscaras africanas. El arte de los pueblos primitivos no es imitativo, sino que plantea un evidente alejamiento de las formas naturalistas para tender a la esquematización.

Precedentes del fauvismo:

Para hablar de los orígenes tenemos que recordar a Van Gogh y a Gauguin, ya que ambos huyendo del impresionismo, tomaron una ejecución libre y personal, impulsiva y pasional, a la vez que apostaron por obras intensamente coloreadas.

Protagonistas del fauvismo:

• Henri Matisse (1869 - 1954)
• Andre Derain (1880 - 1954)
• Maurice de Vlaminck (1876 - 1958)